Jeff King entrevista en español

Jeff, muchas gracias por compartir tu tiempo con nosotros. Comencemos con los inicios de tus aventuras musicales. ¿Podrías mostrarnos los momentos más importantes en tu carrera musical y como han afectado a la forma en que tocas o entiendes la música hoy día?
Siempre he amado la música. Cualquier estilo de música. Básicamente cuando niño, ame toda la que me hiciese sentir algo diferente: feliz, triste, excitado etc. ¡Todo era bueno! Estaba muy intrigado en como esta podía producir eso en mí.

Cuando tenía alrededor de 10 años encontré una guitarra en la parte trasera del trastero de mi tío Kenneth… (una guitarra acústica barata con la acción de cuerdas muy alta), la cual afiné de alguna forma…(¿Lo conseguí? ¡Ha!)

Comencé a tocar con ella, a oír las notas y a estar emocionado con los sonidos que podía producir. Durante la misma época descubrí la colección de discos de mi tía Penny. La primera canción que realmente me hizo prestar atención fue una canción cantada por un gran artista de R&B/Country llamado Dobie Gray. Se llama «Drift Away». Mis pensamientos eran: que canción más buena y ¡COMO CONSIGUEN ESE SONIDO DE GUITARRA! Escuchad el álbum si tenéis la oportunidad. Las guitarras son increíbles.

Curiosamente descubrí que las guitarras habían sido grabadas por un chico de Memphis TN llamado Reggie Young (Fui muy afortunado de trabajar con Reggie en gran cantidad de grabaciones en la última parte de los ’90 y durante todos los 2000’s)  Reggie fue EL guitarrista de sesión en Nashville por muchos años y hace poco publicó un disco en solitario. El tono y la selección de notas en las frases de la introducción y todas las frases a lo largo de la canción me volaron la cabeza. Aprendí/Robé cada lick, ¡cuánta alma en cada nota! Fue definitivamente un aprendizaje y entrenamiento para tocar con gusto y alma.

A partir de ahí descubrí otras bandas como Eagles, Lynyrd Skynyrd, Joe Walsh, the Atlanta Rythm Section, y muchas, muchas otras bandas de southern rock, rock y pop music. Estoy seguro que no estoy solo cuando digo que me volví loco con Steve Lukather, Michael Landau, Larry Carlton, Robben Ford y Jay Graydon, por nombrar a unos pocos. Las influencias de rock y jazz llegaron a mi vida más tarde a la vez que descubría el «sonido L.A.».

Por supuesto, los tipos de Nashville estaban tocando cosas increíbles, por igual… tales como Chet Atkins, Jerry Reed, James Burton, Grady Martin… y más tarde Brent Rowan, Steve Gibson, Dann Huff (que de Nashville fue a LA y volvió a Nashville de nuevo), Brent Mason y Chris Leuzinger por nombrar unos pocos. Todo lo que oía se convertía en una influencia en mi forma de tocar y en mi pensamiento de como ejercitar el ser guitarrista. Estudié todos los créditos de álbumes y CDs para saber que músicos tocaban con que artistas y en que canciones intervenían. Como adolescente intente emular los tonos y licks/elección de notas de cada uno de ellos. En multitud de ocasiones mi oído no estaba desarrollado lo suficiente para hacerlo correctamente pero me daba la oportunidad de poder colocar esas ideas en mi cabeza. Aprendí, principalmente, «En el estilo de»…opuesto a «aquí tienes un lick de Carlton o Huff». Y antes del «slowing down software» fue a la vez frustrante y gratificante.

Más tarde en mi carrera, mi oído musical se desarrolló y pude aprender más rápido. Cuando me trasladé a Nashville en los 80s, uno de mis primeros amigos que hice en el «negocio» me dijo que debía aprender un poco de cada estilo si quería ser un músico de sesión. Solía ir a la tienda local de discos (Tower Records en ese momento) cada par de meses y salir de allí con, al menos, 6 o 7 CDs. Hablando de forma general, eran de muy variados estilos, desde el Western Swing al World Music al Pop al New Country. Aprendí muy rápido que la llave para la versatilidad estaba en aprender los timbres de cada estilo, y después aprender de forma general los licks y pensamientos de los guitarristas que participaban en esos discos. Uso ese procedimiento aun hoy día. Fue un consejo magnífico y me gustaría compartirlo. Aprender un estilo te proporciona trabajo, pero solo en ese género. Tío, ¡me puedo considerar afortunado!

 

¿Por qué piensas que existe ese sentimiento de comunidad musical en Nashville, que la hace sobresalir en comparación con otros grandes centros musicales?
Siento que Nashville siempre fue una ciudad de banda (batería, bajo, guitarra acústica, teclados, guitarra eléctrica, fiddle y steel guitar si se necesitaba) todos juntos en un estudio haciendo música. A menudo trabajamos sesiones unitarias, un día completo y, a veces, una o dos semanas completas en un mismo proyecto. (Nota aclaratoria: una sesión en Nashville significa, generalmente, 3 horas… comenzando a las 10am, terminada a las 1pm, comenzando a las 2pm, terminada a las 5pm, comenzando a las 6pm, terminada a las 9pm, y en ocasiones, una cuarta de 10pm a 1am, en la noche. De ahí que en muchas ocasiones nos refiramos a ellas como «10, 2, 6» etc.)

Debido al género musical podemos completar un tema completo en unas horas… más o menos. No puedo recordar ninguna canción de aire country que haya tomado más de una sesion y media (4-5 horas) ¡Y esa fue una bien complicada! Muchos álbumes tienen dos guitarristas eléctricos en ellos, cada uno aporta un diferente planteamiento. Los productores deben averiguar quién es el mejor para cada estilo y llamarlos en concordancia. Y de igual forma importante, también aprenden que músicos no trabajan bien juntos debido a diferencias de personalidad, egos o simplemente tener estilos muy similares. Por tanto, durante los proyectos que llevan más tiempo tocamos, pasamos el tiempo con nuestros amigos, y en la mayoría de las ocasiones conocemos bien a todos en la sesión, porque trabajamos juntos frecuentemente… a veces, como sección y en otras en diferentes círculos.

He grabado también en otras centros musicales como NYC, LA, Atlanta, Muscle Shoals AL etc. las diferencias se limitaron a cosas como el tiempo de comienzo o finalización de las sesión y similares. Es siempre interesante para mi ver como productores, ingenieros u otros músicos plantean las cosas de manera diferente sin importar en la ciudad que estés. ¡He tenido grandes experiencias y otras terroríficas, en todos lados!
Hablemos del Nashville Number System. ¿Puedes compartir con nosotros como ha afectado a tu trabajo en el día a día? ¿Cómo y cuándo lo aprendiste?
Lo aprendí nada más llegar a Nashville. Supe que tenía que aprenderlo para hacer gigs con artista en la ciudad, especialmente cuando tenía varios muy seguidos y no tenía oportunidad de aprender con detenimiento, todas las canciones del repertorio. Empezó a ponerse interesante cuando me llamaron para estar en la banda de la casa en una «writer’s night». El compositor se subía al escenario, nos daba un chart, tocaba 4 compases y contaba.  ¡Boom! ¡Nada o te hundes! ¡Aprendí rápido!

Creo que el Nashville Number System fue creado por coristas en los 60s. Interpretaban tanto repertorio en un día que no podían humanamente aprenderse, canción por canción. Y entonces, algunas veces los «artistas» cambiaban el tono de la canción. Con números, la relación con respecto a la tónica es lo importante, por lo que cambiar el tono es nada más que un suspiro. Fue adoptado por instrumentistas por la misma razón. Imagina estar escribiendo un chart muy largo en la tonalidad de G y llegar al estudio para darte cuenta que la canción será grabada en A.
Ok, vamos a ver:

G (1 chord/root) se convierte en A.

C (4 chord) se convierte en D.

D (5 chord) se convierte en E.

Em (6m o 6- tal como le llamamos) se convierte en F#m

¡Me duele la cabeza! ¡No puedo recordar eso mientras estoy tocando! ¡Transportar a tiempo real seria de locos!

En otras palabras, la introducción original para tu canción/chart en G se miraría de esta forma:

G G C D   G G C D

Ahora podemos preguntar al MD de la sesión que escriba un nuevo chart en A para la primera toma de contacto. ¡Uh, oh, parece que el tono aún está bajo! ¡Vayamos a la tonalidad de C! ¿Escribir un nuevo chart? ¿Hacer copias? ¿Cuánto tiempo de nuestra sesión de 3 horas se está comiendo todo este proceso? Por tanto… ahí es donde entra el Nashville Number System…

Aquí estaría la intro para tu nuevo tono (C)

C C F G  C C F G… o con números:

1 1 4 5   1 1 4 5

¡Funciona para cualquier tonalidad! Hay algunas raras excepciones de cualquier forma. Mi amigo Chas Williams escribió un gran libro acerca de este sistema. Y hay maneras diferentes de escribir un chart de números. Al final podéis ver un par de ellos que escribí para dos sesiones.

En cuanto a leer notaciones musical estándar. Puedo leer, aunque partes simples. Pero en Nashville no hay muchas sesiones en la que se practique una lectura a primera vista «real». Desearía ser mejor en ese tema pero no lo uso a menudo… excepto para ese día en que un productor me contrato para una sesión en Chicago. Era para un jingle… haha. No tenía ni idea de que esperar hasta que me dio un papel con música escrita… «Tu parte», me dijo. Ahí fue cuando mi cara se puso de todos los colores. Todo salió bien, al final. Me escondí en otra habitación del estudio bajando las escaleras e intenté averiguar todo lo que pude del papel, pero era demasiado complejo para mí. En ese punto me dirigí al productor y se lo confesé. Simplemente se rió y dijo «¡No hay problema! iremos de compás en compás”.

¿Qué has aprendido a los largos de los años haciendo tantas sesiones de grabación «en vivo», a diario,  y que aplicas a tus sesiones en tu home estudio?
Bien, como en cada grabación, nunca sabes cuál será el resultado final. Quiero decir, muchas «demos» terminan siendo álbumes, un proyecto privado puede terminar formando parte de una película. Nunca sabes cómo terminará. Y eso me ha ocurrido. He tocado en #1 hits que se grabaron como demos. Ok, después editan, hacen overdubbing, cantan de nuevo, re-mix, etc. Por tanto, la llave está en siempre hacer lo mejor que sepas en ese momento. ¡Porque la gente lo va a escuchar! Siempre imagino algún gran productor/ingeniero o artista haciendo solo en mi track para ver cómo está tocado. SIEMPRE quiero estar afinado, a tiempo y tocado con tanto gusto como me sea posible. Básicamente, mi carrera ha sido un esfuerzo en no avergonzarme (risas)

Nosotros no elegimos las canciones, nosotros solo tenemos que enfocarnos en la canción como si siempre va a ser un #1 éxito en la radio… NUNCA dejes pasar nada… incluso si piensas que es una canción terrible. ¡SIEMPRE SE LO MEJOR QUE PUEDAS!

¿Cuál es tu equipo de grabación en casa y que hizo que lo eligieses?
En mi home estudio uso Pro Tools. También tengo Studio 1. La mayoría de productores y estudios en Nashville usa PT (aunque hay excepciones). Cuando recibo una sesión de PT a través de internet puedo abrirla rápidamente y empezar a trabajar. Ayuda oír lo mismo que el productor está escuchando, queriendo decir, como las cosas están paneadas, que ocupa los espacios, como la pista vocal está colocada, etc. También mucha gente traerá un disco duro a casa con la sesión. La abrimos y ¡a trabajar!

Hay excepciones… si no están en PT, simplemente enviaran .wav files o stems en estéreo (una mezcla de cosas diferentes… como un stem de batería, stem de teclados, etc.) o el simple mp3. Algunas veces los mp3 no alinean correctamente, lo que produce una pérdida de tiempo para colocar y entonces, aun así, es una suposición sobre donde debe ir, especialmente si el track se mueve (no sigue un tempo constante). En cuanto a previos y micrófonos, uso lo que usaría en otros estudios… un Shure SM57 y un Roger 121. Mis previos son: Wunder Audio Cobalt Pre para el 121, y Burl B1D para el 57. Ambos son 500 Series Pre’s. (Aclaración: Mi querido amigo y gran ingeniero de sonido Matt McClure y yo hicimos un amplísima prueba de unos 50 mic pres y decidí esos dos porque eran la mejor combinación, según nuestro gusto, para cada micrófono).

Después tengo un «Blender» de Serpent con el que puedo hacer un blend de ambos micrófonos antes de llegar a PT. Tenía costumbre antes, de hacer tracks separados para cada micrófono pero si haces muchos tracks para una misma canción, termina siendo una locura. Si hago 5 tracks, más un solo, terminan siendo 12 tracks que recibe el productor. Y eso es difícil de manejar. Por eso, hago blend de la forma en que me gusta lo que he oído y adelante.

Mayormente grabo en mono, pero ocasionalmente, hago algún track estéreo, con plug ins o con amplificadores. Uso un interface UA Apollo y suena muy bien a mis oídos. Tengo unos monitores Mackie 824 (fueron el standard en Nashville por mucho tiempo, quería escuchar cosas de la misma forma que lo hacía en otros estudios de grabación, como siempre, hay excepciones). También tengo un set de Yamaha NS10s… Si puedes hacer que suene bien en esos monitores, el resultado va a ser bueno.

¿Qué espera un productor de un músico de sesión hoy en día?
Cuando alguien me contrata, usualmente, tienen una idea de lo que hago, o bien por algo que han oído o a través de la recomendación de otro instrumentista o ingeniero de sonido. En la mayoría de ocasiones, ya tienen una idea de lo que van buscando. Algunas veces no es así y esperan que yo sea creativo. Cuando alguien me está pagando, quiero que esa persona quede contenta con su track. Algunos días tu eres una simple herramienta usada para tocar ideas de otras personas y otros días eres una página totalmente en blanco. Depende del proyecto, del productor y del artista. Siempre aparezco feliz y respetuoso y llevo diferentes guitarras/amplificadores/pedales, etc. para muchos y diferentes sonidos y timbres Algunas veces ellos llegan con ideas «tontas» que estoy SEGURO en que NUNCA funcionaran… y terminan siendo parte integral de la canción. Es una industria de servicios, como dicen por ahí. Intento todo lo que me piden respetuosamente. Una suma de ideas «tontas» terminan siendo la semilla de otras ideas espectaculares. Usualmente comienzo diciendo «esta quizás sea una mala idea pero…» Si ES tan mala, alguien lo dirá… pero y si …
 

¿Cuál ha sido tu guitarra más grabada o utilizada en directo a lo largo de los años y por qué?
¡Difícil pregunta! Mi minimo equipo de guitarra para cualquier sesion incluye:

– Al menos una Telecaster, a veces dos. Siempre mi Telecaster Glaser, que tiene un G Bender… y una Tom Anderson Tele para un sonido más moderno y «spanky».

-Una Les Paul

-Una Gretsch de cualquier tipo (tengo 4 para elegir)

-Una baritone

-Mi vieja 64 Strat

-Algunas veces una PRS (DGT Model)

-Y en la mayoría de ocasiones mi vieja  70’s 355 con Bigsby

-Algunas veces una guitarra eléctrica Godin también.

En la carretera con Reba McEntire uso al menos 4-5 guitarras:

– Una Tom Anderson Strat (AMO las guitarras Tom Anderson)

– Una Tom Anderson Tele

– Una PRS (DGT)

– Otra PRS DGT afinada medio tono abajo

– Y en ocasiones alguna guitarra extra que va rotando y que sea divertida de tocar.

Creo que he grabado más con mi Telecaster Glaser que con cualquier otra. Porque es una gran guitarra y tienen muchas opciones tonales. La he tenido desde 1985 y se todos los «rincones» en su afinación, etc. ¡Pero siempre me gusta tener opciones!

¿Cuál es la mayor diferencia entre la escena en Nashville, digamos, 15 años atrás y en la actualidad?
Hubo muchos días en los 90s y comienzos de los 2000s en los que tenía tres sesiones cada día. Cada una para diferentes proyectos. Por tanto, tenía una hora para almorzar/cenar y mi equipo era transportado de un estudio a otro. Por suerte, tenemos algo llamado compañía de «cartage» que transportan nuestro equipo de estudio en estudio y esos chicos son buenísimos. Saben los setups de cada guitarrista y los setups de cada estudio de la ciudad. Ellos también facturan al cliente por el transporte. La compañía con la que trabajo yo se llama Soundceck.  Mi configuración de estudio consiste en un baúl de guitarras. Tendré 10-12 guitarras en él, como una eléctrica de 12 cuerdas, barítono afinado de B a B, 6 string bass afinado de E a E, un sitar eléctrico, 335, una Grestch, un par de Teles, un par de Strats, cualquier instrumento extraño o particular etc. y tengo un par de guitarras favoritas que las llevo conmigo.

También tengo un rack con un setup de Bradshaw en el que hay un Soldano X88 preamp, un Bradshaw preamp, un VHT Classic 2100 (Chrome) Power amp, un puñado de efectos de rack (Tri stereo chorus, TC Electronic 1210 chorus, un puñado de delays y una reverb… total stereo-ness rig. La pedalera controladora para el rack y también un par de bafles 1×12″ con EVs para el sonido estéreo, y un 4×12 o dos para diferentes opciones, y un par de cabezales en mono para power chords o grandes licks.

En los 90s en Nashville se produjo un boom de compañías discográficas y se hacían muchos discos. Era un momento genial para estar aquí y ser músico de sesión. Yo, generalmente, trabajaba 12-16 sesiones en una semana, ¡no había tiempo para trabajar más! Tenía días en los que empezaba a las 8am con un overdub en Studio A, terminando a las 9.15am, los chicos de cartage estarían esperando, entonces a montar el rig en el Studio B para estar listo a las 10am, después corriendo hacia Studio C para empezar a las 2pm, después a un Studio D para empezar a las 6pm y después Studio E para más overdubs. ¡TIEMPOS DE LOCURA! ¡CRAZY TIMES! Estábamos haciendo mucho dinero y muchísimos discos. Fue un tiempo fantástico y divertido. Pero, no quisiera volver a hacerlo de nuevo… tratar de tener un buen balance entre el trabajo y la familia fue muy difícil.

Ahora, después de 15 años, se ha convertido en una ciudad de «singles», con sesiones muy separadas en un periodo de tiempo para completar un disco entero. Los presupuestos son mucho más reducidos que hace 15 años. Mi equipo ahora es una rack con 3-5 cabezales, también 3 ó 4 diferentes bafles, una pedalera, mi baúl de guitarras y un bonito y grande stand de guitarras. En demos usualmente uso 5-6 guitarras, un cabezal y un combo (Blackface Bassman, y un 55 Vibrolux combo o lo que agarre saliendo de casa), un Marshall 2×12 y una pedalera. Tal y como el negocio de la grabación que está disminuyendo, los presupuestos cada vez más reducidos, en ocasiones el cartage para esos equipos no son una opción por lo que siempre existe una opción más reducida.

 

¿Cuál es el conocimiento armónico que ser requiere hoy día para tocar música con sabor country (Modern Country)?
¡Esa es una buena pregunta! Creo que la versatilidad es la llave hoy día, siendo la «country music» tan amplia ahora mismo. Actualmente consiste en 70s rock, algunas veces 80s type layering y Telecaster con filo más PRSs/Les Paul. Creo que un guitarrista que llegue a Nashville ahora debe tener dominio de esos estilos antes de comenzar a trabajar.

En algún momento me indicaste que estabas usando un rig estéreo en el tour de Reba. Dos amplificadores y una pedalera. Cuando decidiste usar un rig de ese tipo y como hiciste para que funcionase compartiendo tareas guitarrísticas con más compañeros en la banda?
He usado muchos y diferentes rig en gira con Reba. Por un par de años fueron dos cabezales, dos bafles y algún tipo de pedalera programable. Es un show muy rápido por lo que no tengo tiempo de ajustar los tiempos de delay/overdrives, etc… para cada canción.

El rig amplificadores/pedales cambia cada cierto tiempo. En los dos últimos años he ido directo usando un Fractal Audio FX II. Es duro programarlo, pero cuando ya lo has hecho es solo un botón y ¡a por la siguiente cancion!  En cada canción tengo de 3 a 5 «escenas»… intro/Vs/Ch/Bridge/Solo dependiendo de lo que se necesite. Tiene grandes sonidos de amplificador y efectos increíbles. Y a ellos súmale la facilidad de cambiar programas dependiendo de los cambios en el repertorio. El set list puede cambiar de vez en cuando. Es muy útil por eso. Hay otro guitarrista en la banda, mi «compañero de crimen», Jim Kimball, con el que comparto alguna de las labores de guitarra eléctrica y toca increíblemente las partes de guitarra acústica. Es un guitarrista increíble. El está usando Kemper ahora. Siempre lo pasamos bien y tratamos de dar a los compañeros de FOH los mejores sonidos posibles. No hay secretos… ¡aprende el repertorio y pásalo bien tocando el concierto!

Yo te «descubrí» a través de un DVD de Tom Anderson Guitarworks que fue publicado hace unos años. ¿Cómo comenzó tu relación con Tom Anderson Guitars y cuáles son las razones de que haya durado en el tiempo?
Conocí a Tom hace años, en los 90s. Quizás en NAMM Show… realmente no recuerdo donde fue. Estaba encandilado con la calidad de las guitarras de Tom. Los ajustes de sus Teles y Strats eran increíbles. Una guitarra nueva siempre se sentía tan confortable y ciertamente no tenían el fee de una guitarra nueva «stiff». Me enamoré de su concepto moderno sobre una base de guitarra vintage. Gran cantidad de opciones tonales con split de humbucker y diferentes single coils, etc.

Mi amigo Roy es el A&R para Tom Anderson y conectamos desde el principio. A través de esos chicos conocí a mi colega Tim Pierce y otros maravillosos guitarristas. Somos todos grandes amigos. En ocasiones me envían guitarras para que pruebe para ellos y de mi opinión. Desarrollaron una nueva Telecaster hace unos años llamada «Short T». Era un cuerpo de Telecaster pero una escala corta al estilo Gibson. ¡Es una guitarra de deporte! Mástil rapidísimo. Grandes diseñadores de guitarras y grandes amigos.

¿Tienes algún plan para un disco en solitario?
¡Siempre tengo planes para un álbum en solitario! (risas) Pero soy muy afortunado de estar siempre ocupado trabajando en muchos otros proyectos. Siempre estoy pensando en ideas para mi propio álbum, pero nunca parezco encontrar el tiempo. Pero definitivamente está en plan para un futuro próximo.

Jeff, tu pudiste experimentar los tiempos, ambos, de los grandes racks y de los rigs de amplificadores. ¿Cuál es tu opinión acerca de ambos?
Amo la exuberancia de los equipos estéreo. Los delays volando alrededor, hacia un lado y otro, y el maravillos chorus a la vez… ¡genial! Esos sonidos son geniales para hacer layering y poner tracks por debajo. Todavía conservo todo mi gran equipo de entonces. Aún uso esos sonidos pero generalmente con plug ins en Pro Tools. Los rigs de amplificadores parece ser lo «in» en estos momentos, al igual que equipos «directos» (Fractal, Kemper, Helix, etc.). A mí me encanta un ampli que suene bien. ¡Hace divertido el tocar! Quizás posea como unos 30 cabezales y 10 combos… tanta diversión. He ido comprando al azar amplificadores a lo largo de los años teniendo grandes ofertas para comprar o simplemente algo que quería. Todos son herramientas. Tengo 4 Marshalls, 10 o por ahí Fenders (dos Blackface Bassman’s, dos Blond Bassman’s, un gran Twin Reverb, un Deluxe Amp, el Vibrolux que mencioné antes, un Princeton, un Champ, un Pro Reverb) un Matchless, un Vox, un par de Silvertones, y un puñado de amplis de boutique. ¡Mi estudio es DIVERTIDO! ¡Me encanta tocar la guitarra!

Muchas gracias por tu tiempo, Jeff. ¿Algunas palabras de consejo o motivación para nuestros lectores como conclusión?
Toca por amor a la guitarra… el equipo llega con el tiempo. Con solo unas pocas excepciones, nunca he tomado decisiones en mi carrera musical basadas en el dinero. Siempre ha sido: «¿Lo voy a disfrutar? ¿Voy a aprender algo? ¿Tocaré con instrumentistas mejores que yo? ¿Me llevará a algo interesante? Todo ocurre cuando debe pasar.

Se generoso, pásalo bien, trabaja duro y las cosas pasarán. Se el tipo de músico y persona que todo el mundo quiere alrededor, no infeliz o malhumorado. Ponte en situaciones no confortables como músico. Por ejemplo, fui parte de una jam band, durante un tiempo, que tocaba una vez al mes aquí en un club de Nashville. Yo estaba acostumbrado a hacer solos de 4 u 8 compases de los que debía sentirme orgulloso en el estudio. Pero mis solos en esa jam band parecían eternos… se me acababa el material y vuelta a empezar ¡ME HIZO MEJOR! ¡Haz cosas!

www.jeffkingnashville.com

Pablo Padilla