Russ Hewitt entrevista

 

Russ Hewitt es un guitarrista norteamericano que acaba de publicar su cuarto álbum con colaboraciones de lujo como la de Nuno Bettencourt, Marty Friedman, la  Orquesta All-Star de Bucarest y Strunz y Farah. Música instrumental de guitarra con cuerda de nylon como instrumento principal. Charlamos con él para que nos cuente a acerca de ello…

 

Hola Russ, gracias por tu tiempo… ¿Cómo llegó la guitarra a tu vida?

Uno de mis primeros recuerdos es tomar bolsas de papel y cortarlas en forma de guitarra para fingir estar tocando la guitarra con canciones de KISS. Por supuesto, me metía en problemas porque mamá necesitaba esas bolsas para otras cosas.

No fue hasta que mi hermano mayor comenzó a tocar la guitarra, cuando yo también quise conseguir una. Tenía once años en ese momento y esporádicamente aprendía canciones y acordes.

Tuve una guitarra Hondo barata, que era difícil de tocar, y un amplificador Peavy que no sonaba muy bien. Una vez que mi hermano decidió dejar de tocar me vendió su equipo de calidad, realmente lo tomé y practiqué mucho. Tenía alrededor de catorce años por entonces y no he pensado en hacer nada más a partir de ese momento.

¿Qué recuerdas de tus primeros días de aprendizaje?

Al principio fue con libros y revistas con TAB que estaban disponibles, luego poco después con los videos instructivos, así que estudiaba con todo lo que caía en mis manos.

Descubrí mucho más tarde que muchas de las primeras transcripciones estaban mal escritas, por lo que eso aumentó mi frustración en ese momento. Nada tenía sentido, la teoría o como encajaba todo, pero realmente disfrutaba tocando e introduciéndome en ese mundo. Tomé lecciones cuando pude y finalmente conseguí un profesor serio a la edad de 17 años.

Nombra tres álbumes que hayan sido significativos para ti por alguna razón…

Ozzy Osbourne, ‘Blizzard of Ozz’ (1981): el primer álbum que compré con mi propio dinero. Las canciones eran geniales, la guitarra y los solos de Randy Rhoads eran una melodía en sí mismos. Aprendí de esa grabación que un solo memorable, con algo que decir, es tan importante como la canción misma.

John Williams, ‘Bach: The Four Lute Suites Great Performances’ (1986): el tono, el fraseo, la articulación y la dinámica de John dieron vida a las notas de la página. Esta grabación me ayudó a tomar la decisión de estudiar guitarra clásica. Además, siendo fanático del movimiento neoclásico que estaba ocurriendo en ese momento, liderado por Yngwie Malmsteen, las progresiones de acordes y las modulaciones me resultaron emocionantes.

3)  Strunz y Farah, ‘Live’ (1997): esta grabación cambió mi forma de ver lo que era posible con la guitarra de cuerdas de nailon. Tomaron la interpretación feroz de ‘Friday Night in San Francisco’ (álbum en vivo de 1981 de Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía) y el sentido de la canción y la melodía del ‘Nouveau Flamenco’ (el innovador debut de Ottmar Liebert en 1990) y lo combinaron en música accesible para el oyente que era genial. Agrega el uso de escalas y ritmos exóticos… es una combinación difícil de superar.

 

¿Cómo te definirías como guitarrista?

Sigo cambiando a medida que envejezco,  Durante las últimas dos décadas ha habido un esfuerzo en trabajar y definir mi sonido y estilo.

Definitivamente puedes escuchar mis influencias, pero trato de hacerlas mías. Incluso soy un poco diferente a los otros artistas que están en el subgénero en el que estoy (por ejemplo, Rodrigo y Gabriela, Strunz & Farah, Jesse Cook, Ottmar Liebert, Johannes Linstead, etc.),  pero a veces eso hace que sea difícil describir cómo sueno. Hay tantos guitarristas por ahí haciendo cosas increíbles, solo estoy tratando de hacerme un pequeño espacio como yo mismo.

Mi objetivo principal como guitarrista es ser un buen compositor, crear melodías memorables, establecer una base rítmica sólida y escribir un solo que tenga algo que decir y llegue a alguna parte, en ese orden. La intención es crear música que se quiera escuchar repetidamente, y si puedo colarme en alguna forma elegante de tocar la guitarra, mucho mejor.

Musicalmente hablando, ¿cuáles son tus referentes?

Somos, como guitarristas, una acumulación de todo lo que hemos aprendido, y para mí eso está en todas partes. Mis primeras referencias serían músicos de Hard Rock y Heavy Metal. Luego me metí en el estilo de tocar neoclásico/shred al mismo tiempo que me metí en la guitarra clásica tradicional.

Terminé obteniendo un título de interpretación en guitarra clásica de la Universidad del North Texas, en parte, debido a mi amor por Randy Rhoads, Rik Emmett y otros guitarristas de rock que tenían influencia clásica.

Después de graduarme me metí en el bluegrass flat-picking, guitarra country, guitarra flamenca/española y gypsy jazz. Todavía me encanta aprender todo lo que puedo, pero tiene que poder encajar con lo que hago para justificar el tiempo aprendiéndolo. Podría enumerar cien guitarristas y desglosar lo que aprendí o tomé de cada uno de ellos.

¿De dónde viene tu gusto por la música latina?

Tuve la exposición normal a la televisión, las películas, la radio y, por supuesto, Santana, pero no fue hasta que escuché el primer álbum de Gipsy Kings (1989) en que quedé impresionado. Poco después descubrí a Ottmar Liebert, pero aún pasarían otros cinco años antes de que comenzara a tocar rumba.

Después de graduarme, traté de triunfar como guitarrista clásico, lo cual fue difícil en el mejor de los casos. Lo que sí vi fue a un tipo tocando seis noches a la semana en varios lugares al estilo Gipsy Kings. Me tomó como aprendiz y me mostró una variedad de patrones de rumba. Luego procedí a aprenderme su setlist y a tocar con él durante años.

Una vez que decidí hacerlo por mi cuenta y escribir mi propia música, fue cuando me sumergí profundamente en el mundo latino. Esa es la belleza de lo que hago, fusiono español, flamenco, jazz, música latina, cubana, brasileña y todo lo que me gusta al mismo tiempo, sin preocuparme por las reglas particulares de cada estilo.

Bajo la descripción Latin/World,  me permito la libertad de tener samba, guajira, montuno, rumba flamenca, tango, milonga, cumbia, cha-cha y más, todo en un solo CD. Me gusta pensar en ello como en música latina ‘accesible para el oyente’ que es auténtica, pero no tan ‘pesada’ como para que alguien que no esté familiarizado con el estilo no pueda disfrutarla.

Tu último trabajo es Chasing Horizons… ¿Cómo fue el proceso de composición?

Muy lento, por desgracia. Cuando estoy trabajando en otros proyectos, soy muy rápido, pero los originales son otra cosa. No es que no pueda, es solo que tocaré mis temas más de 200 veces al año a perpetuidad, así que realmente quiero asegurarme de que estoy satisfecho con el producto final.

Por lo general, comienza de varias maneras; una progresión de acordes, una escala o modo, o un ritmo (samba, tango, rumba, etc.). Cualquiera que termine siendo el primero, los otros dos pronto lo seguirán. A partir de ahí, elegiré una tonalidad para escribirla teniendo en cuenta mis otras canciones y como encajaría en el repertorio.

Elegiré un tempo, grabaré la pista de ritmo y trabajaré en la melodía y el solo. Reboto de un lado a otro entre varias canciones a la vez, de esa manera, si me quedo atascado, puedo trabajar en otra cosa y después volver a eso.

Una vez que tenga el álbum escrito, lo tocaré para mi productor. Hará algunas sugerencias y ajustes, y a partir de ahí decidiremos sobre la instrumentación. Las canciones se modifican constantemente en cada paso del camino hasta la mezcla final. Incluso hice cambios en los arreglos después de que se masterizara, se trata de hacer lo que mejor sirva para la canción.

 

Hay algunos invitados interesantes en el álbum. ¿Cómo los elegiste?

Con la excepción del tema que escribí para Larry Carlton, North of Home del álbum Cielo Nocturno (2016), todos los artistas invitados fueron elegidos después de escribir y grabar la canción.

Por lo general, comienzo hablando con mi productor, Bob Parr, sobre quien sabemos que sonará bien con una canción en particular. Después de grabar la canción principal Chasing Horizons, me quedé impresionado con lo bien que la batería y el bajo encajaron y se sincronizaron. Pensé en Nuno y en cómo se uniría a la banda con un ritmo funk. Conozco a Nuno Bettencourt desde hace un tiempo y sabía que en algún momento quería presentarle una canción, y Chasing Horizons parecía ser la perfecta.

Con Vivir Libre, la progresión de acordes del solo tiene algunos cambios únicos en los que sabía que alguien del calibre de Marty Friedman destacaría. Marty y yo contamos con el respaldo de la misma compañía de cables de guitarra, Analysis Plus Cables, y se comunicaron en mi nombre. Marty escuchó la pista, estuvo de acuerdo y me la devolvió en una semana.

Con la Orquesta Sinfónica Nacional Rumana, que graba bajo el nombre de Orquesta All-Star de Bucarest, me contactaron a través de un conocido en común. Estaban buscando expandirse más allá del mundo clásico y aproveché la oportunidad de involucrarme con ellos. Además de tenerlos en Amor Perdido, grabaron y filmaron un tema mío más antiguo, Palma de Mallorca, que saldrá en algún momento del próximo año.

Tuve el privilegio de tener a Ardeshir Farah en Persian Sky, del último disco, así que estaba emocionado de tenerlo nuevamente para Cubalia Café. Ardeshir ama el ritmo de la guajira cubana y realmente brilla en él. Luego, Ardeshir le sugirió que Jorge Strunz también debería tocar en una pista y eligió la canción, Sunset Samba. Esta es la primera vez que Strunz y Farah aparecen en el mismo álbum, pero no en la misma pista.

¿Cómo es trabajar con una orquesta sinfónica? ¿Es difícil encajar la guitarra en ese contexto?

Hasta ahora, he estado tocando mi música original con orquestas sinfónicas. Eso es una rareza porque en la mayoría de los casos un guitarrista, generalmente solo toca una de las pocas piezas escritas para guitarra y orquesta.

Tengo varios arreglistas de cuerdas que orquestan mi música para mí porque es un arte y una disciplina separada en sí misma. Sé cómo hacerlo, pero prefiero dejárselo a los profesionales.

Ha habido pads, teclados y cuerdas en todas mis grabaciones, así que escucho e imagino cómo sonaría una canción en particular con una sinfónica completa. A veces son variaciones o extensiones de un acorde que estoy tocando o una línea de armonía/unísono, pero otras veces estás creando un contratiempo como en el caso de Amor Perdido feat. Orquesta All-Star de Bucarest.

Al final del video durante la escena de créditos, solo tengo la pista de la orquesta sonando para que la gente pueda escuchar el genio de Ric Flauding, que escribió el arreglo.

Es bastante increíble estar en el escenario con una orquesta de sesenta músicos detrás de ti. Me acaba de contactar la Orquesta Sinfónica de Irving para ser parte de su temporada 2023, así que estoy deseando que llegue.

 

 

Usualmente tocas Godin Multiac con cuerdas de nylon, no una clásica convencional o guitarra flamenca… ¿Qué nos puedes decir de esa elección?

La Godin Grand Concert Duet Ambiance tiene un mástil de 2” como el de una guitarra clásica, por lo que la sensación y la escala son las mismas. También he hecho algunas modificaciones adicionales a la guitarra para adaptarla a mi estilo de tocar y usar púa.

Para mí, todo se reduce a la electrónica, y Godin tiene un equilibrio perfecto entre las cuerdas graves y agudas. Debido a que normalmente toco con el bajo y la batería, necesito que me suban el volumen en los monitores y puedo hacerlo con la Godin y no preocuparme demasiado por la retroalimentación.

Cuando hago trabajo de sesión, normalmente es con una guitarra flamenca tradicional o clásica con boca para microfonear. La guitarra en todas mis grabaciones es una Taylor Guitars Nylon-String 214ce-N que está en el video de Amor Perdido feat. Orquesta All-Star de Bucarest. Ahí verás más o menos dónde coloco el micrófono. Godin es mi principal guitarra en vivo.

Si miro ahora tu pedalera, ¿qué puedo encontrarme?

Es bastante simple: Radial Engineering Tonebone PZ-Pre acoustic direct box preamp, Neunaber Immerse Reverberator, pedal de volumen Morley, pedal de expresión Mission Engineering, TC Electronic Flashback Delay y un compresor Electro-Harmonix Black Finger.

No siempre tengo mi pedalera, así que en esos casos simplemente me enchufo y listo. Lo hago de vez en cuando solo para no depender demasiado de ningún efecto o pedal.

¿Qué amplificación estás usando en vivo?

Para los conciertos más pequeños, llevo un Phil Jones CUB AG-100 o un sistema Bose. Para espectáculos más grandes, uso el preamplificador de caja directa acústica Radial Engineering Tonebone PZ-Pre de mi pedalera y envío la señal dividida una directo a mesa y otra hacia un monitor.

¿Cómo es un día para ti cuando no estás en el trabajo? ¿Qué te gusta hacer?

Soy músico a tiempo completo, así que siempre hay algo que hacer. Ser un artista independiente significa que nunca terminas con lo que estas haciendo o lo que debe hacerse. Conciertos, trabajo de sesión, práctica, ensayos, videos y edición: por lo general, solo paro cuando me canso mental o físicamente.

Dicho esto, me gusta hacer tanto ejercicio como sea posible (ya sea paseando a mis Huskies o yendo al gimnasio), y me encanta viajar.

José Manuel López